[꼬메디아 델라르떼] Book Scrap

서구 연극의 발자취

<코메디아 델아르테>

十五세기 이후 이탈리아에서 일어나기 시작한 인본주의 운동은 연극에도 많은 영향을 주었다. 고전을 연구하는 가운데 갖가지 부수적인 성과를 거두었다. 우선 극장의 변혁을 들지 않을 수 없다. 오늘날 우리가 극장의 전형적인 형태라고 생각하는 상자형 무대 즉 전면 양벽간(兩壁間)을 무대로 쓰는 프로시이니엄 무대는 이때에 생긴 것이다. 또한 당시의 유행에 따라 이른바 원근법(遠近法) 장치를 시작했다. 이 당시의 연극계 현상 중에서 가장 특기할 만한 것은 코메디아 델라르테라는 새로운 희극 형태의 발생이다. 이 것은 지식층이 즐기던 코메디아 에루디타와는 대조적으로 서민들이 즐기던 희극 연극이다. 이 연극은 이제까지 작자 위주의 연극에서 탈피하여 연기자 위주의 연극을 생명으로 하였고, 희곡이 없이 즉흥적(卽興的)으로 연희되는 특징을 가지고 있다. 안면의 상반부에 가면을 쓴 희극극단(喜劇劇團)들의 배우들에게는 고정 무대가 없다. 어느 때 어떠한 장소에서도 즉흥적인 연기를 해내는 퍽 재간이 많은 배우들이었다. 이들은 미리 준비된 희곡도 없이 장소의 분위기나 관객의 취미에 따라 즉흥적으로 희극을 엮어 나간 능숙한 배우들이었다. 그러나 관객들이 이미 알고 있는 성격을 가면이나 동작을 통해 표현했다. 뚱뚱하고 칼을 차고 수염을 기른 배우가 나오면 관객들은 곧 그를 카피타노라는 인물로 알았고 그의 성격, 직업도 미리 짐작하고 있었다. 양자에는 강하고 강자에게는 약하며 모든 여성들이 자기를 사랑하고 있다고 믿는 인물로 관객들은 알고 있었다. 그렇기 때문에 카피타노를 맡은 배우는 자기에게 주어진 성격과 직업의 범위 내에서 즉흥적인 연기를 했다. 이러한 성격의 인물들을 우리는 유형적 성격(類型的性格)이라고 한다. 우리나라의 돌쇠, 마당쇠, 또는 방자와도 같은 인물들로서 관객들은 그들을 봄으로써 이미 어떠한 행동을 할 것인가를 짐작할 수 있다. 코메디아 델라르테는 후에 몰리에에르와 같은 작가들에게도 지대한 영향을 주었을 뿐만 아니라 그 연기가 퍽 양식화(樣式化)되어 근대의 서구 희극의 모체가 되었다. 연극의 발생은 문학에 토대를 둔 것이 아니었다. 그것은 연기자라고도 할 수 있는 각 개인의 자연 발생적인 행동에서 시작되었고 점차 문학 위주의 연극으로 바뀌었다. 이런 면에서 볼 때 코메디아 데 라르테는 연극의 발생적 근원을 되찾고자 하는 하나의 움직임이라고도 할 수 있다. 그들은 도시 중심의 공연을 배제하고 줄 지방을 순회하며 일반 대중 속에 파고들어 그들과 희비의 감정을 나눈 퍽 서민적인 연극 단체였다.

• 세계예술대백과 [연극] p. 89~91 (도서출판아카데미)

4. 르네상스시대의 이탈리아 연극

코메디아 델라르테 (p.48∼51)

이러한 극작가 부존현상에서 탄생한 것이 코메디아 델라르테(Commedia dell'arte)라고 할 수 있다. 즉 코메디아는 극작가 중심의 연극이 아니라 배우 중심의 연극인 것이다. 코메디아 델라르테는 귀족이나 학자들의 연극이었던 코메디아 에루디타(Commedia Erudita)와 달리 일반 대중의 산물이라고 해서 민중즉흥극이라는 말로도 표현된다. 그 명칭도 18세기경에 와서야 공인되었는데 오랜 중세, 그리고 르네상스기에 대부분의 연극이 아마츄어에 의해 공연된데 비해 이 연극은 '직업적' 즉 arte(직업적 또는 예술적)의 경지에 있다는 찬사에서 그런 명칭이 불게 되었다. 이 즉흥적 희극은 그후 서구희극의 중요한 요소가 되어 희극작가는 물론 연기자에게도 많은 영향을 주고 있다.

코메디아 델라르테의 원천에 대해서는 아직도 확실한 것을 모른다. 1550년 이후에 이탈리아에서 본격적으로 시작되었다는 사실만을 알 따름이다. 로마시대의 이른바 아텔란(Atellan) 소극이 중세에 내려와서도 사라지지 않고 유랑연극인들에 의해 주로 시골에서 공연되었는데, 이것이 모체가 된다는 추측도 있다. 또는 1453년 콘스탄티노플이 함락되자 서방으로 피해 온 비잔틴의 마임 배우들이 시작한 것이라는 설도 있으며, 어떤 학자는 플라우투스와 테렌스의 희극을 무언극화한 일부 배우들에 의해 개발되었다고도 한다.

코메디아 델라르테는 우선 배우 위주의 연극이며, 희곡 대사에 따라 내용을 말하는 것이 아니라 즉흥적 연기로 표현하며 또한 모든 사람이 알 수 있는 유사희극적 인물(stock characers)이 등장하며, 어떠한 장소 조건에도 구애됨이 없는 적응성 있는 연극이라는 것이 그 특징이다.

배우가 필요한 것은 희곡도 장치도 아니고 상상력에 의해 자유로이 표현할 수 있는 그의 신체뿐이다. 희곡작품 대신 그들은 한 이야기의 요점을 적은 시나리오를 사용했다. 전설적인 설화, 고담중에서 모든 사람이 알 수 있는 부분을 따서 정리한 식순을 적은 종이조각의 구실 정도밖에 못하는 시나리오가 있을 뿐이다. 때에 따라서는 시사적인 사건도 즉흥적으로 표현된다. 장소와 관객의 질 또는 분위기에 따라 내용은 즉석에서 변할 수도 있다. 시중에서 도는 시골에서 임시 가무대를 만들기도 했고, 때에 따라서는 본격적인 실내국장에서도 공연할 수 있는 기민하고 재치있는 즉흥극이었다. 대사도 분위기에 따라 전체 내용과 종말에 지장이 없는 한 출연 배우들에 의해 마음대로 바뀔 수 있었다. 배우들은 대개 자기가 특기로 하는 역을 줄곧 되풀이하여 맡는다. 그 인물도 일반이 쉽게 알 수 있는 유사적 인물이었다. 이들은 가면을 사용하였기 때문에 무대에 나오면 관객은 그 모습을 보고 어떠한 인물이며 어떤 성격이라는 것을 미리 짐작하게 된다. 극단이 많았지만 인물 설정은 죄다 유사희극적 인물이어서 별 차이가 없었다. 이 유흥극은 사랑의 이야기가 중요한 부분을 차지하고 있어 항상 젊은 남녀가 등장하는데, 이들 주인공은 가면을 쓰지 않았다고 한다. 많은 등장 인물들이 있지만 특히 카피타노(Capitano), 판탈로네(Pantalone) 그리고 도토레(Dottore)가 민중들의 환영을 받았다. 군인인 카피타노는 약한 자에게는 강하고, 강한 자에게는 약한 비겁한 인물인데, 모든 여인이 자기를 사랑하고 있다는 착각 속에 행동을 하는 허풍선이다. 판탈로네는 연노(年老)한 상인이며 옛 고사며 격언을 잘 구사하고 젊은 남자로 변장을 하고 젊은 여인을 유혹하기도 한다. 도토레는 도사(道士)연하는 인물로 법률박사로 자처하며 매부리코에 수염을 붙이고 나오는데 똑똑한 체하면서도 속임수를 당하는 수가 많다. 이 연극에서 빼놓을 수 없는 것이 자미(Zammi)라고 불리는 하인역이다. 재치있는 행동으로 알면서도 모르는 체하고 주인을 돕는 역인데, 후에 자미는 하를레퀸(Harlequin) 또는 아를레치노(Arlecchino) 등의 인물로 분파된다.

이외에도 스카라무치(Scaramouche)나 플시넬라(Pulcinella) 같은 흥미있는 인물도 등장한다.

극단은 대게 12명으로 구성되었으며 7,8명은 남자이고 3,4명은 여자 단원이었다. 비교적 돈이 들지 않는 공연을 했지만 소요되는 제작비는 단원 공동으로 마련했고, 이익은 고루 나누어 갖는 주식형 운영을 했다. 이들은 연중 지방에 순회공연을 하였다. 물론 단장이 있었다. 코메디아 델라르테는 1550년 이후 약 100년간 가장 활발한 공연을 하였는데, 이탈리아에만 국한되지 않고 유럽의 각 도시로 순회할 정도로 유명하였다. 이러한 극단들은 독일, 프랑스, 영국, 스페인 등 각처를 순회하며 당지(當地)의 극작가들과 연기자들에게 많은 영향을 주었다. 몰리에르(Moliere)의 「수전노」에 나오는 알파곤(Harpagon)은 판탈로네의 변신이며, 로시니(Rossini)의 「세빌랴의 이발사」(The Barber of Seville), 무짜르트(Mozart)의 「피가로의 결혼」(The Marriage of Figaro) 등에 나오는 인물들도 이 코메디아의 유사 인물들이라고 할 수 있다. 이외에도 셰익스피어의 「끝이 좋으면 다 좋아」(All's Well That Ends Well), 「실수연발」(The Comedy of Errors) 그리고 「말괄량이 다루기」(The Taming of the Shrew) 등의 등장 인물은 물론, 훗날의 이탈리아의 희극작가 골도니(Goldoni) 등의 인물도 코메디아의 유사희극 인물이라고 할 수 있다.- 당시 수많은 코메디아 델라르테극단이 전국을 누빈 것으로 알려지고 있는데, 극단 이름이 특이한 것이 눈에 띈다. 가장 유명한 극단으로 알려진 극단 질투(Gelosi)를 비롯, 진실(Fedeli), 희망(Desiosi), 자신(Confidenti), 영감(Accesi) 등 그 명칭이 인상적이다. -

코메디아 델라르테는 이탈리아 르네상스의 산물이며 일반 민중에게 가장 가까웠던 형태의 연극이지만, 그러나 이탈리아의 연극계 전체에는 이렇다 할 영향을 주지 못했으며, 전통적인 의미의 연극을 계승 발전시키고 극작가를 배출하는데 있어서는 큰 역할을 하지 못했다. 이 연극은 오히려 이탈리아 밖의 여러 나라 연극을 자극하여 각국에 자기네의 실정 내에서 코메디아의 특징을 흡수 소화하여 특수한 연극을 낳아, 오늘날 알 수 있듯이 스페인의 연극 황금시대, 엘리자베스 시대의 찬란한 연극시대를 도래케 하였다. 그러나 르네상스시대의 이탈리아처럼 다양성 있는 연극 현상을 자아낸 시대도 없었다. 고전모방극이라고 할 수 있는 코메디아 에루디타, 인터메치, 전원극, 오페라, 본격적인 실내극장, 원근법 무대장치, 특수한 무대 효과기구의 개발, 그리고 코메디아 델라르테 등 수많은 연극 현상을 촉진케 했다. 그럼에도 불구하고 고전적 의의가 있는 희곡을 남기지 못했다. 따라서 르네상스가 다른 분야의 예술에 대해서는 큰 자극을 주어 새 의미의 발전, 휴머니즘 사상의 이해를 가능케 하여 그야말로 부흥·발전을 갖고 오게 했지만, 최소한 연극 분야에 대해서만은 이렇다 할 충동적인 영향을 줄 수 없었다. 국내의 정치 사정, 학자들의 어설픈 고전극 법칙의 강요, 연극인들의 내용보다는 형식에 대한 흥미 등, 그 원인은 이미 기술한 바 있다.

• 이근삼, 서양연극사, 탐구당, 1980 P.48 ~ 51

Ⅱ. 演技 : 표현

12. 코메디아 델 아르테 - 재생 Commedia Dell'Arte - Regeneration

봄의 소생에 대한 Horace의 시적 표현은 아마도 후에 몇백 년 동안 이탈리아와 그밖의 유럽대륙에서 발생한 연극적 부활과 비유할 수 있을 것이다.

코메디아 델 아르테의 주요한 연극 형태와 연기 스타일은 16세기에 연극적 활동으로 재생되었다.

코메디아 델 아르테는 단순한 과도기적 활동에 그치지 않고, 독특한 배우 중심의 연극 형태가 되었다.

아르테Arte란 말은 원래 직업적인 예술가를 뜻했다. 코메디아 공연은 배우들의 유랑극단에 의해 공연된 즉흥극이었다. 이런 집단들은 흔히 그 유명한 Gelosi단체같이 한 가족으로 구성되었다. 코메디아의 기원은 아마도 로마의 Atellan소극이나 Plautus와 Terence의 희곡들 까지 거슬러 올라갈 수 있는 것이다.

16세기경에 현저하게 떠오른 코메디아의 영향은 그후 200여 년에 걸쳐서 중요한 위치를 차지하였다.

코메디아 델 아르테의 개관 Overview of Commedia Dell'Arte

코메디아는 짧은 시나리오를 기초로 많은 즉흥적인 대사와 가끔씩 마스크를 쓰는 유형화된 등장인물들을 사용하는 음모의 희극이었다(진지한 연극활동은 주로 지식층이나 귀족극장들에서 즐겼을 뿐, 이 시기에는 제한되어 있었다. 반면에 코메디아는 대중적인 연극이었다).

희곡들은 당시의 시간과 장소에서 끄집어낸 시사적인 것이었다. 코메디아는 상당한 판토마임을 사용했다. 말은 제스처와 동작, 스테이지 비지네스에 부수하는 것으로서 추가되었다.

배우들에게는 표준적인 풀롯이 주어졌고, 암기된 대사는 그것이 특별히 설정된 행동과 일치할 때만 사용되었다. Lazzi라고 부르는 코믹한 스테이지 비지네스와 burla라고 하는 코믹한 농지거리들이 무대의 재미와 코믹한 변화를 스토리에 주기 위하여 삽입되었다(예, "한 배우가 그의 모자에 체리가 가득한 체하고, 맛있게 먹다가 씨를 다른 배우의 얼굴에 손가락으로 툭 쳐서 던지면서 눈 안의 씨는 손 안의 두 개만큼 가치가 있다"고 말한다).

코메디아 대본들은 개선을 거듭하면서, 18세기 후반까지 계속 상연되었다.

가장 성공적인 플롯은 사랑과 음모, 가식과 속임수에 관한 것들이었다. 대략 1550년에서 1650년까지가 절정의 시기였는데, 열 내지 열 두 개의 유명한 코메디아 델 아르테 극단이 유럽대륙을 순회하였다. 각 그룹은 7-8명의 남자와 3-4명의 여자로 구성되었다. 그들은 대개 2쌍의 연인, 하녀 1명, 단장 1명, 어릿광대 2명, 그리고 2명의 노인들로 이루어졌다. 젋고 잘 생긴 교육받은 남녀들이 대체로 낭만적인 성격의 '곧은' 역할을 맡아 했는데, 그들은 화려하게 옷을 입었고 마스크를 쓰지 않았다. 반면 Pantalone 같은 등장인물들은 꽉끼는 빨간 조끼와 바지, 양말 그리고 발목까지 닿는 검은 코트를 입었다.

Paltalone는 항상 매부리코의 브라운 색 가면을 쓰고 덥수룩한 머리의 수염을 한 인물로 묘사되었다. Dottore의 의상은 항상 긴 아카데믹한 가운과 모자로 되어 있었다. 시간이 흐르면서 이러한 의상들은 다소 유행적 추세를 따르게 되었다. Harlequin은 자주 그의 머리를 밀고, 코믹한 모자와 검은 가면을 썼다. 그는 막대기나 널빤지를 들고 다닌다. 원래 그는 현란한 다이아몬드 무늬 모양의 헝겊 조각으로 된 정장을 입었다. Capitano는 녹색의 끈이 많이 달린 코믹하게 변형시킨 군복을 입고 화려한 깃털 장식이 달린 모자를 썼다. 매춘부 같은 코믹한 여자 등장인물은 최신유행의 긴 드레스나 스커트를 몇몇은 가면을 쓰기도 했다. Capitano, Pantalone, Dottore같은 늙은 남자들을 규명하기 위해서 각 등장인물은 특수한 외형적 육체적 특징들을 가져야 했던 것이다.

하인이나 광대(예, Arlecchino나 Harlequin)같은 코믹한 등장인물들은 우스운 익살을 위해서 육체적으로 민첩하고 유연해야 했다.

거의 800여 편의 코메디아 델 아르테의 시나리오들은 오늘날까지 남아있다. 코메디아의 공연 실황에 대한 정보가 거의 없기 때문에 그 공연의 지리 실제로 어떠했는지는 알 길이 없다. 그러나 코메디아에서 연기하려면, 상당한 육체적 기술과 광대적 기질이 필요했다는 것을 알 수 있다. 비록 이 연극이 극작가들 없이 발달했지만, 그 영향은 유럽 전체에 파급되었고, 훗날의 Moliere같은 극작가나 배우들에게 막대한 영향을 끼쳤다

음성 Voice

코메디아의 음성훈련에 있어서는 대사창조를 위한 정신적 예민함이 가장 중요하다. 다시 말하면, 입심을 좋게 하는 것이다. 그러나 말의 창조는 시나리오나 혹은 현재 진행중인 lf제 상황과 연관한 것이어야 한다. 좋은 무대화술은 대사전달에 있어서 매우 중요하다. 분명한 발음, 효과적인 발성, 빠른 템포, 그리고 상당한 음성의 변화가 가장 주요한 요소들이다. 능숙한 희극적 타이밍과 관객에의 직접적인 전달이 필수적이므로 원시적인 연기방법이 주를 이룬다. 말로 익살떠는 기술을 잘 배양해 놓으면, 희극에 있어서 소위 펀치라인(급소를 찔러서 깜짝 놀라게 하는 대사)을 강조하는 능력이 향상될 것이다.

연습 1 : 음성기술과 사고의 예민함

1. 각자가 혀를 꼬게 하는 재미있는 문장들을 가능한 한 빠르고 분명하게 큰 소리로 암송한다.

이 방법에 따라서 혀를 꼬이게 하는 재미있는 문장들을 만들어 연습하라.

2. 30초 이내에 코믹한 농담을 만들거나 기억해 내어 큰 소리로 암송하자. 모든 배우들은 적어도 하나 이상의 농담을 말해야만 한다(음탕하거나 조잡한 이야기는 삼갈 것).

동작 Movement

의심할 바 없이, 움직임은 코메디아의 성공적인 연기를 위한 가장 필수적인 요소이다. 체조적인 역량, 힘있고 유연하고 빠른 행동, 때때로 우아한 춤동작이 요구된다. 유형화된 등장인물의 특징을 잘 나타내는 움직임과 제스처가 특히 강조되기는 하지만, 고대 그리스 및 로마의 모든 소극적 활동들이 그대로 적용된다(예를 들면, 늙고 무뚝뚝한 아버지인 Pantalone가 지팡이를 짚고 구부정하게 걷는 모습이라든가, 허풍스러운 군인인 Capitano가 고개를 쳐들고 그의 깃털장식이 달린 모자를 흔들면서, 큼직한 제스처로 뽐내며 걷는 것이라든가, Harlequin이 마차 바퀴를 돌아 공중제비를 넘고 방자하게 춤을 추는 동작 등이다).

연습 2 : 움직임

2. 구르기에서 저글링까지 일련의 곡예적인 기술을 하나씩, 또는 여럿을 함께 실행하라.

3. 빠르고 매우 활기있는 음악(기타, 드럼, 플루트 같은)에 맞춰 자발적이고 총체적인 집단무용을 개발하라. 음악을 구할 수 없을 때 이 연습을 빨래판, 금속 파이프, 종, 나무 지팡이나 신발 같은 조악한 악기들을 이용하거나, 빗 위에 종이를 통해서 나오는 휘파람 같은 소리로 음악을 즉흥적으로 만들면 이 연습이 무척 재미있어진다.

성격과 감정 Character and Emotion

코메디아의 등장인물들은 고대 그리스와 로마의 코메디 전통처럼 대개 소유욕이 강하고 강박관념을 가진 일차원적인 상투적인 인물들이었다. 코메디아의 등장인물들이 그들의 선배들과 다른 점이 있다면, 그것은 그들의 활동이 보다 전시적이라는데 있다. 공연이 반복될 때를 제외하고, 코메디아의 등장인물들을 위한 대사와 행위는 전적으로 즉흥적이었으며, 등장인물들의 유형은 갈고 닦여 고정적이었다.

연습 3 : 등장인물과 감정

연습 1, 2의 작업을 활용하여 다음의 상황적 아이디어들로부터 간단한 시나리오를 만들고, 배우 한 사람마다 한 유형인물을 배정한다. 시나리오를 충분히 검토한 후, 각 배우들은 시나리오의 문맥안에서 그가 선택한 유형인물로 연기해 본다. 시나리오를 즉흥적인 희극을 공연하되 시간은 5분 이내로 하라.

1. 마음에 드는 늙은 선생을 마다하고, 젊은 구두 수선공과 결혼하려는 딸의 결혼을 반대하는 아버지.

2. 겉모습이 똑같은 그의 동생과 오랜만에 재결합하는 쌍둥이.

3. 영리한 종에게 돈을 사기 당하는 늙은 구두쇠.

4. 늙은 상인의 아내에게 접근할 기회를 얻기 위해 의학박사로 가장한 남자.

5. 전쟁에서 돌아와 보니 그의 애인이 늙은 변호사와 강제로 결혼하게 되었음을 안 어느 군인.

과도기 -- Tudor Drama

이탈리아 대륙의 다른 곳에서 코메디아가 발달하고, 융성할 즈음 유럽은 야만과 신성모독, 그리고 이기심에 사로잡혔다. 의기소침이 지배적인 분위기였다. 일찍이 세기에 프랑스 시인 Eustache Deschamps은 중세기 후반의 분위기에 대해 다음과 같은 시로써 표현하였다.

개인은 팽창하는 기관의 권력의 흐름에 삼켜지고, 인간의 생활은 내세를 위한 준비를 제외하고는 그 의미를 잃었다.

중세의 기관들이 압도했으나, 그것을 지탱해 주던 정신은 결국 시들어 사라졌다. 신성로마제국은 1400년경에 마침내 몰락했다. 군주들은 외세의 침입과 국제동맹 앞에 무력했다. 유럽 전체에 걸쳐 왕권은 마비되었다. 경제·정치·사회적 재난은 끝이 없는 것 같았고, 질병, 죽음, 고통, 재앙 그리고 전쟁은 대부분의 유럽을 휩쓸었다. 그러나, 헨리 7세의 등장으로 영국에서는 절망의 그림자가 사라지기 시작했다. 그는 튜더왕조의 창시자로서 1485년에 왕좌에 올랐다.

헨리 7세는 유럽대륙에 있어서 새로운 혈통의 군주중의 하나였다. 그는 교회의 간섭으로부터 벗어나 자유로운 왕정을 운영하고, 법을 강화하고, 재정능력을 개선하고, 귀족들을 완전히 장악하였다. 장미전쟁으로 생겼던 계층간의 격렬한 갈등은 차차 안정을 찾아 생활양식이 점차 비폭력쪽으로 정착되면서, 중산층이 중심세력으로 부상하였다.

이 과도기의 산물로서, 연극은 직업적인 배우들에 의해 공연된 막간극과 대학과 법학원에서 쓰어져 학생들에 의해 공연된 고전적 경향의 연극이 어울려 공연되었다. 역사가 인기있는 주제가 되었고, 성경 이야기가 낭만적 스타일로 다시 쓰여졌다. 학교연극은 Plautus, Terrence, Seneca의 희곡에서 영향을 받았으며, 모두 라틴어로 읽혀지거나 공연되었다. 오리지날 희곡들은 라틴어와 영어로 쓰여졌고, 로마나 고전적 모델을 모방한 것들이었다. 가장 인기있는 학교희곡들은 Nicholas Udall의 「랄프 로이스터 도이스터 Ralph Roister Doister」와 Stevenson의 「갬머 구튼의 마을 Grammer Gurtons's Needle」이었다.

Thomas Sackville과 Thomas Norton의 「골보덕 Gorboduc」은 최초로 알려진 영국비극이었다. 다른 오리지날 드라마는 고전적 학습(예, 신화적 인물의 사용)과 영국의 저급한 코메디(예, 소극형의 사용)를 결합한 것이다.

런던에 Shakespeare가 도착하기 이전에 벌써 연극은 복잡한 희곡작법의 영향을 받고 있었다.

Thomas Kyd의 희곡 「스페인 비극 The Spanish Tragedy」은 초자연적 요소와 긴박한 풀롯을 결합하는 복수의 모티브를 사용함으로써, Seneca의 영향을 받았음이 나타났다(나중에 쓰여진 Shakespeare의 「햄릿 Hamlet」은 Kyd의 희곡과 유사하다). 「파우스트 박사 Doctor Faustus」, 「에드워드 2세 Edward Ⅱ」, 「황제 템벌레인 Tamnurlaine the Great」, 「말타의 유태인 The Jew of Malta」같은 희곡들을 통해, Christopher Marlowe는 희곡매체로서의 무운시를 완성함으로써 연극 발전에 기여했다. John Lyly는 신화에서 소재를 얻어 산문으로 코메디를 썼는데, 그의 작품은 튜더왕조 시기의 조악한 소극들을 능가하는 희곡창작법을 크게 발전시켰다. 모든 극작가들은 행동의 연대기적인 접근, 무대 폭력의 강조, 진지하고 코믹한 요소의 혼합, 시적인 표현, 독백, 짧은 장면 등에 중점을 두었다.

Tudor Drama의 연기

Tudor 연기 스타일은 관습적이며 근본적으로 사실적이거나 아니면 비관습적이었다. 주요한 관례중의 하나는 모든 여자 역할을 젊은 남자 배우들이 연기한다는 것이다. 당시는 사실적 생활풍습을 그리는 데 상당한 관심을 두었다. 특별히 코메디는 더욱 그러했다. 배우들은 인간 심리학이라고 일컬을 만한 본질적 진실에 도달했다. 다시 말하면, 그들은 근본적으로 설득력있는 성격을 창조했다. 반면, 이 연극의 사실적 성격묘사에 예외가 있었다. 튜더왕조의 희곡에는 비사실적이거나 매우 과장된 연기 스타일을 요구하는 역들이 있으며, 특별히 연극적이고 코믹한 요소들의 기이하나 혼합물이 나타나는 소극의 경우에는 더욱 그러하다(예, 진지한 신화와 저속한 익살희곡의 혼합).

Tudor 드라마가 연극적 예술로서 발달함에 따른 중요한 소산물은 의상에 관심을 기울인 것이었다. 당시 사회의 분위기에 따라 무대의상은 매우 과장되게 사용되었다. 남자들의 겉옷은 중세 초기보다 크고 길며, 훨씬 정성 들여 만든 것이었으며, 젊은 남자들은 흔히 짧고 몸에 꼭 맞는 겉옷을 입고, 허리를 졸라맸으며, 치마는 무거웠다. 따라서 연기 스타일도 그에 영향을 받았다. 14세기 식의 스커트를 입고 걷는 것은 많은 무릎동작이 필요했다. 무릎을 굽히는 공손한 인사(서양식 인사)를 할 때는 스커트의 앞부분을 올리고 무릎을 구부렸으며, 우아하게 일어나야 했다. 스커트를 바깥쪽으로 잡으면서, 머리를 약간 옆, 또는 앞으로 기울였다.

남자들은 움직일 때 헝겊을 덧댄 짧은 바지 때문에 어려움을 겪었다. 걷거나 서있는 것조차 거추장스런 일이었음에도 불구하고, 남자들은 활기차게 성큼성큼 걸으며, 건장한 체격을 과시했다. 인사는 발레의 세 번째 자세로 하는데, 발끝과 무릎을 벌리고, 무릎 뒤쪽을 구부린 채, 발뒤꿈치는 약간 들고, 양쪽 발에 똑같이 무게중심을 두면서 앞쪽의 다리를 곧게 세웠다.

여자들 역시 상체를 꼿꼿하게 세운 채, 허리를 돌리고, 스커트를 어깨선과 나란히 유지하며 교묘하게 옷자랑 하는 것을 즐겼다. 머리도 머리치장과 균형을 유지해야했다. 동작·의상·절·무릎을 굽히고 하는 공손한 인사 등이 Tudor 연기의 한 두드러진 특징이었다.

Tudor 의 신사들에게는 옷을 차려입는 것이 즐거움이었다. 그들은 다리와 전체적인 옷을 과시하는 데 매우 열심이었다.

16세기 후반 코메디아 델 아르테가 유럽대륙에서 명성을 얻고 있을 때, 제한되어 있지만 희망이 있는 Tudor 드라마는 연극적 활동과 양식에 있어서 새롭고 특이한 시대로 Elizabeth시대의 영국의 연극적 르네상스에 견줄 만한 시대로 점차 접어들었다.

장면의 연극화를 위한 등장인물과 희곡

현존하는 많은 코메디아 델 아르테 희곡대본을 보라.

배우를 위한 조언 Commedia Dell'Arte

음성 코믹한 말 만들기 및 익살 ; 분명한 발음; 효과적 발성 ; 빠른 템포와 상당한 음성의 다양성.

동작 곡예기술 ; 힘있고 유연하고, 빠르게 ; 가끔은 춤동작 ; 전시적인 것과 재현적 양식의 균형(전시적 양식이 우세함).

제스처 유형인물의 ; 다른 사람과의 상당한 육체적 접촉 ; 일상적이나 좀더 큼 ; 전신을 완전히 사용.

무언극화 노래, 춤, 희극적 광대의 동작을 다양하게 삽입 ; 매우 독창적인 익살 ; 젊은 연인들을 제외한 모든 등장인물이 전면 가면과 반쪽 가면을 사용.

등장인물 시종 유형화된 인물 ; 젊은 연인들이 가장 사실적임.

정서 보통 속이 좁고 일차원적임 ; 단순한 강박관념.

사상 지역적이고 동시대적인 것에 관해 풍자적 ; 일반적으로 가볍고 재미 위주 ; 보통 단순한 삼각관계가 기본임.

언어 즉흥적인 산문(문장) ; 보통 노래는 암기된 운문임.

분위기 익살적, 제멋대로임, 평범함, 기괴함, 재미있음.

페이스 및 템포 적당히 빠름 ; 원기 왕성함.

특수기술 육체적 동작을 즉흥적으로 할 수 있는 기술 ; 관련된 희극 내용에 따른 노래, 춤, 곡예 훈련이 아주 바람직함.

• 제리 L. 크로포드 / 조안 스나이더, 演技, 도서출판 예하, 1988 p.151-161

◎ 7. 이태리 르네상스 P.196 ~ 200

코메디아 델 아테

궁정과 학원의 연극과 더불어 코메디아 델 아테(commedia dell'arte)라는 또 하나의 특이한 형식이 성장하였다(아테라는 말이 시사하는 바는, 아마추어들이 연기했던 에루디타(erudita), 즉 지식층의 연극과 대조적으로 배우들이 예술가였거나 직업배우였다는 것이다). 그것은 배우중심이고, 즉흥연기로 이루어지며, 어떤 공연조건에도 순응될 수 있었다.

배우가 코메디아 델 아테의 핵심이자 유일하게 본질적인 요소였다. 대본은 중심행동과 그 결과의 윤곽만을 그려 주는 시나리오였다. 배우들은 대화를 즉흥적으로 만들었고 상황이 요구하는 대로 복잡화를 발전시켰다.

같은 무리의 재고품 등장인물들이 한 극단이 상연한 모든 연극에 출연하였고, 똑같은 배우가 늘 똑같은 역을 연기했다. 전형적인 등장인물들은 셋으로 구분된다. 즉 연인들, 주인들, 하인들 들이다.

연인 역을 맡은 배우들은 가면을 쓰지 않았으며 대개는 잘 생기고 동정을 일으키는 타입이었다. 항상 남녀 한 쌍의 연인들이 있었고 거기에 또 다른 한 쌍이 추가되는 일도 자주 있었다. 두 사람의 결함에 대한 장애물들을 중심으로 플롯이 이루어졌음에도 불구하고 대개는 연인들이 관심의 중심이 되지 못했다. 그들은 플롯의 구실을 제공하면서 다른 등장인물을 비추어 판단할 표준으로서 역할했다. 그들은 화려한 의상을 걸쳤고 우아하고 시적으로 말하기 일쑤였다.

세 명의 주인이 가장 자주 나타난다. 판탈로네(Pantalone)는 늙은 상인이며 구두쇠이고, 젊은 여인의 아버지 또는 그녀의 구혼자일 경우가 많다. 도토레(Dotorre)는 현학적인 법률사며 청년의 아버지거나 처녀의 구혼자일 때가 많다. 카피타노(Capitano)는 사랑과 전쟁에서의 용맹을 자랑하나 결국 겁쟁이임이 드러나는 군인이다. 이 등장인물들은 각자 특유의 가면과 의상을 공연 내내 착용했다.

그러나 가장 중심적인 코믹한 역들은 자니(zanni)라고 불리는 하인들로서 앞의 두 집단에게 고용살이하는 자들이다. 그들은 연인들 혹은 주인들을 돕거나 훼방놓으면서 갖가지 책략들을 동원한다. 그들은 어리석은 데서 영리하기까지 다양한 인물들이며 커다란 코나 꼽추와 같이 특이한 육체적 특징들을 갖기 일쑤였다. 각자 고유한 가면, 의상 및 고정된 성격을 갖고 있었다. 자니 중에서 가장 유명한 것은 하를르캥(Harlequin), 코비엘로(Coviello), 풀치넬로(Pulcinello), 브리겔라(Brighella), 스카라무슈(Scaramouche) 및 타르타글리아(Tartaglia) 등이다. 이밖에 또 여성연인들의 시중을 들면서 음모에 가담하였던 여자하인들도 한두 명 있었다. 모든 여자 역을 남자가 연기했다.

이상이 기본적인 유형들이었다. 각 연극은 즉흥적으로 진행되었고 배우들은 얼마 지나서 한 꾸러미의 대사와 잘 닦아진 희극적 상투수단들과, 기타 흥미를 유지시키는 데 의존할 만한 보조수단들을 개발하였다. 극단마다 효과가 이미 증명된 소위 라찌(lazzi)라는 것들을 많이 갖고 있었는데, 그것은 적당할 때 또는 관객의 주의가 산만해질 때면 언제든지 울궈먹을 수 있었던 우스운 짓거리들을 확대한 토막들이었다.

코메디아의 기원에 대해서는 이론이 많다. 어떤 학자들은 그것이 로마의 아텔라나 소극(笑劇)에서 직접 내려왔으며, 로마 제국이 멸망한 뒤 배우들이 그 전통을 보존하여 시대가 좋아졌을 때 크게 융성하게 되었다고 주장한다. 코메디아 델 아테의 일부 재고품 등장인물들과 아텔라나 소극의 인물들 사이에 육체적 외모와 기본적 특성 면에서 유사점들이 있기는 하다. 그러나 둘 사이의 직접적인 관련성을 증명해 주는 확실한 증거는 전혀 없다. 이 이론의 한 변형이 있는데 그것은 1453년 콘스탄티노플이 함락되었을 때 서방으로 도피한 것으로 알려진 비잔틴의 마임극단으로부터 코메디아가 파생했다고 주장한다. 다른 사가(史家)들은 플라우터스와 테렌스의 작품에 대한 배우들의 즉흥연기로부터 코메디아가 성장했다고 주장한다. 또 다른 어느 이론에 따르면 코메디아는 아무 선조도 없이 이태리에서 자생한 것으로 되어 있다. 모두 다 옳을 수 있는 이론들이다. 코메디아의 출발은 아직도 어둠에 잠겨 있기 때문이다.

기원이야 어쨌든 이 극단들은 1550년 이후 눈에 띄게 늘었다. 즉흥극에 대하 최초의 명확한 언급이 1568년에 발견된다. 곧 이어 코메디아 델 아테 극단들은 이태리 전역에서 인기를 끌었으며 동세기(同世紀)가 끝나기 전에 프랑스와 기타 지역에서도 공연을 가졌다. 17세기에 코메디아는 유럽 전역으로 퍼졌다. 그것은 1750년 이후에 쇠퇴하여 1800년에 이르면 완전히 자취를 감추었다.

아마도 가장 중요한 코메디아 극단은 겔로시 극단(the Gelosi)과 아체시 극단(the Accesi)이었을 것이다. 겔로시는 인기절정이었던 두 지도자, 즉 프란체스코 안드레이니(Francesco Andreini, 1548-1624)와 그의 아내 이사벨라(Isabella, 1562-1604)가 있었기 때문에 가장 뛰어난 극단이었을 것으로 생각된다. 이사벨라는 당시 문학인들의 사랑을 받았으며 그녀 스스로도 시인이었다. 겔로시 극단은 1570년에서 1604년까지 활동하면서 이태리와 프랑스 전역을 순회하였다. 아체시극단은 1590년에서 1635년까지 번창하였다. 그 리더로는 피에르 마리아 세치니(Pier Maria Cecchini, 1575-1645), 트리스타노 마르티넬리(Tristano Martinelli, 1557경-1630), 그리고 플라미니오 스칼라(Flaminio Scala, 1600-1621 사이에 활약) 등이 있었고 이 중에서 스칼라는 주요 시나리오작가이기도 했다. 아체시 극단은 프랑스를 최소한 두 차례 방문하였다. 기타 주목할 만한 극단으로 콘피덴티(the Confidenti), 테시오시(the Tesiosi), 페델리(the Fedeli), 그리고 우니티(the Uniti) 등이 있다.

코메디아의 배우들은 온갖 종류의 관객들을 다 상대했기 때문에 진정으로 대중적인 연극을 제작했다. 많은 극단들이 궁정에서 초청공연을 가졌지만 그들은 때때로 정규 연극을 상연하기도 했으나 즉흥대본으로 더 잘 알려졌다.

17세기에 이태리에서 대중극장들이 지어지기 시작한 후, 코메디아 극단들이 이 극장들을 이용하였으며 원근화법의 무대장치, 기계 및 특수효과들을 활용하는 시나리오들이 쓰여졌다.

근 800편의 코메디아 델 아테 대본이 현존한다. 그러나 이것들은 단순히 행동의 윤곽만을 그려 주고 있기 때문에 코메디아 공연의 성격이 실제로 어떠했는지를 알기는 어렵다. 그러나 배우의 기술이 대단했음은 틀립없다. 200여년간 이 극단들이 누렸던 인기 역시 그들의 진정한 호소력을 증거해 준다. 코메디아는 후세의 작가들에게 상당한 영향을 미쳤고, 그 중에서도 프랑스의 몰리에르가 가장 뚜렷하게 영향을 받았다.

그전 희곡에 대한 새로운 관심, 그림틀 무대의 발전, 원근화법의 무대장치, 특수효과와 장면전환을 위한 정교한 기계설비, 오페라 및 코메디아 델 아테 들 이태리 르네상스가 만들어 낸 이 모든 것들은 후세의 연극에 중요한 영향을 미치게 된다.

• 오스카 G. 브로켓, 김윤철 역, 연극개론, 한신출판사, 1989 P.196 ~ 200

◎ Commedia Dell'arte의 분석적 연구 [신일수]

• 그 인물과 의상을 중심으로-

제 1 수

1. 머리말

Commedia Dell'arte는 1550년경에 르네상스 이태리에서 시작되어 14세기부터 18세기 초까지 이태리 전국은 물론 영국, 불란서, 스페인 등 구라파 전극에도 순회 공연되고 파급되었으며 연극사의 하나의 오랜 전통과 영향으로 남아있는 독특한 연극형태 이다.

"직업적인 배우들의 희극"으로 Commedia는 광장, 가두, 축제의 놀이마당이나 실, 내외를 막론하고 평소 잘 훈련된 직업적인 배우들에 의해서 공연되어졌다.

직업적인 희극의 의미는 대본에 의하지 않고 스토리의 줄거리나 주제의 요약만을 골자로 배우들의 기교적인 연기 술과 창의력에 의해서 즉흥적으로 이루어졌다는 것이 다른 연극공연 형태와 다른 양상이다.

연극사적 입장에서 보면 Commedia가 능란한 연기 술의 개발과, 일정한 인물들을 배우 자신들이 창조해 냈다고 하는데 그 가치를 부여할 수 있고 연극사적 큰 공헌이라고 할 수 있는 것이다. 배우가 창조해 낸 인물이란 즉흥적인 대사와 무대상의 행동으로 배우 자신이 다듬고, 그 인물이 가지는 속성이라던가 의상 등 성격화에 따른 모든 필요한 것들을 배우 자신들이 준비한다. 그러므로 줄거리가 달라져도 같은 배우가 항상 같은 인물을 맡게 되는 것이 특징이라고 하겠다. Commedia의 인물은 남자 7명 여자 3명으로 보통 10명 내지 12명의 구성원으로 하고 배우는 그가 맡은 인물과 의상을 입단하면서 결정해서 극단을 떠나거나 은퇴할 때까지 같은 역을 지속하는 것이 상례였다.

해를 거듭할수록 자신이 만든 대사의 전달과 동작에 있어서 그 자신만이 가지는 기발한 연기 스타일을 보여 주게 되며 세 인물은 새 배우가 입단했을 경우에만 개발시키는 것이었다.

이 논문에서는 Commedia의 인물과 의상에만 국한시켜 Commedia의 특수성을 연구해 보는데 그 목적이 있다.

2. Commdia Dell'arte의 인물들

Pantalone

Pantalone은 그 시대 이태리 사람들로부터 그 희극적 성격이 잘 알려졌고 절찬을 받던 인물중의 하나이다.

그는 노쇠한 호색가로, 쉽게 속임을 당하는 아버지로 혹은 Plautus Aulularius에서 Euclion같은, 로마 희극 속에 나오는 남편 같은 인물이었다.

때론 그는 부정한 아내의 남편이기도 했고 젊은 여인의 나이 많은 남편으로 등장해서 수모와 속임수를 당하기도 했다. 그는 전형적인 베니스의 상인으로 욕심 많고, 무엇이든 제 손에 단단히 움켜 쥘려고는 하나 자신의 뜻과는 달리 잘 속아 넘어 가는 사람, 남의 말하기를 좋아하는 그런 유형의 인물이었다.

그는 헛된 사랑에 쉽게 휘말려 빠져들고 사랑에 재치를 보이지 못해 그의 아들이나 하인들로부터 어리석은 영감으로 따돌림을 받기도 한다.

그는 수전노이고 신경질적인 홀아비일 때도 있으나 언제나 가족을 거느린 가장이었다. 그가 가족을 거느렸을 때는 부인이 없으나 그 자식들이 늘 그를 괴롭히고, 어렵게 만드는 쪽이었다. Pantalone은 불평과 남용에 대한 리스트 가지고 다니면서 그의 고통을 장황하게 늘어놓기도 한다. 그는 혼자 나타나서 혼자말로 이렇게 중얼거릴 때도 있다.

Drat that Brighella! Rogue! Scoundrel! He has not only failed to purchase the chickens for my supper, but has brought home and prepared pork! He knows perfectly well I can't eat pork! Can't touch a mouthful! Teeth won't stand it! Watch! and that's another thing, the rascal! He should have fetched Florinda here, this very minute! Letting my wife room all over the town, at such an hour! He knows how to deal with him! Watch me! Hey! Ouch! Who did that! (at which point we will assume that Brighella, rascally subject of the denunciation, has slipped slyly onto the stage and administered a resounding kick to the old man from behind, then immediately disappeared. A moment later he will reappear to ask, indignantly, who has dared to molest his master.)

그는 Venice 근방의 사투리를 사용하며 Shakespeare의 Namlet에 나오는 Polonius같이 많은 명가나 금언을 즐겨 인용해 썼다. Pantalone의 성격은 Shakespearedml 희극이나 Moliere의 작품 속에서 흔히 볼 수 있는 그런 유형의 인물이다.

Dottore

그는 Pantalone의 동반자로 그의 사랑편력에서의 어리석음은 Pantalone과 비슷하다고 할 것이다, 그러나 그는 해박한 인물이었다. 그의 해박함은 의사나 법률가, 점성가나 교수처럼 늘어놓지만 사실 그 자신의 내면적 세계는 두려움과 공포에 시달리고 남의 조소나 조롱에 항시 민감하다. 그의 많은 희극적 효과는 믿을 수 없고 잘 알지도 못하는 의학용어나 희귀한 남의 이름들을 막힘 없이 내뿜으며 정확하지 못한 라틴어와 사실을 항상 왜곡해서 늘어놓는 것으로 나타난다. 그는 Commedia에 등장하는 젊은 연인들 중에 여자 쪽의 아버지가 되며 그 자신의 나이보다 더 젊게 보이기를 항상 갈망하고 있다. 그는 또한 Bologna 지방의 사투리를 사용하며 Pantalone처럼 특수한 유형의 인물로 부각된다. 이러한 유형의 인물은 희랍시대 Arislophanes의 "The Clouds"에서 Socrates로, Plautus나 Terence의 극에서 흔히 찾아볼 수 있으며 ltalian Comedy에서 이런 유형의 인물은 거의 학자나 의사로 등장하는 것이 보통이다.

Capitano

A powerful voice with a nasal twang is heard in the wings, " Let me have my sword that I may pierce his diaphragam." The clang of swords announces the indomitable, bragging Spanish Captain.

그는 희극 화된 오만한 스페인 군인이며 여러 개의 상징적인 이름으로 그의 성격이 표현되는데 자주 "Captain Spavento of Vally of Hell"로 불리 운다. 거대한 이름처럼 실제에 있어서는 정반대의 인물이다, 그는 소심하고 겁쟁이, 허풍전이로 비유되나 Commedia의 중심인물이고 희극적 인물임에는 틀림이 없다. 그는 원래 이태리의 장교로 등장되었으나 차차 스페인 군주 같은 인물로 바뀌게 되었는데 그 이유는 당시 지루한 군, 소 전쟁을 통하여 외국용병에 대한 이태리 사람들의 원한에 기인된 것이라고 볼 수도 있다.

이태리 사람들이 정치적으로나 경제적으로는 피지배자로 스페인 사람들을 추종해야 되는 위치에서 Capitano라는 인물로 묘사된 그들 지배자의 성격이나 행동을 보고 웃었다는 것은 아이러니컬하지만 그 당시로서는 당연했을지도 모를 일이다. Commedia가 스페인에서 공연될 때는 Capitano는 항상 열광적인 환영을 받았으며 그들 스페인 관객들을 즐겁게 해 주었다.

lnnamorato 와 lnnamorata

Commedia에서 이 연인들(Louers)은 다른 인물들에 비해 관심을 독차지하지는 못했다.

그들은 그 시대에 적합한 젊은이의 복장을 하고 세련된 젊은이의 행동과 모습을 보이려고 했다. 시인 Patrarch의 시집을 늘 한 손에 들고 등장했는데 그것은 당시 젊은 연인들 사이에서 흔히 볼 수 있는 정경이었다. lnnamorato와 lnnamorata로 등장하는 배우들은 자신들의 실제 이름을 무대상의 등장 인물의 이름으로 불렀으며 지방 사투리를 쓰지 않고 표준어를 구사했다. 대개 한 쌍의 연인들이 등장하는 것이 보통이나 경우에 따라서는 두 쌍, 세 쌍의 연인들이 등장할 수도 있었다. 일반적으로 lnnamorato는 Commedia에 등장하는 노인의 아들로 나오는데 남자 연인들은 부모에 의해서 그들의 사랑이 방해를 받거나, 여자를 사이에 두고 여자끼리 경쟁을 벌이거나 아니면 노인의 젊은 부인의 연인으로 등장하기도 한다.

Innamorata 의 경우도 Isabella, Felice, Adriana, Valerina, Laura 등 그 인물이 그 당시 유명했던 여배우들의 이름으로 불려졌는데 특히 Isabella의 경우 그녀는 그 당시 유명한 Capitano의 명배우였던 남편 Francisco Andreini와 함께 활약한 여배우로 관객들에게서 아낌없는 찬사와 인기를 독차지했다.

Innamorata 역시 Innamorato 처럼 상대적으로 잘 차려 입고 있으며 Commedia에 등장하는 노인의 딸로 등장했다. 무대상의 변화를 갖기 위해 가끔 고아나 과부를 대신 등장시키기도 했다.

The Seruning Maid ; Columbine

초창기의 Commedia에서는 음탕하고 추잡한 하녀로 등장했지만 점차 똑똑하고 재치가 있는 인물로 변했는데 곡선에 따라서는 모함과 음모에 가담하는 하녀로 Harleguin의 상대역으로, 여주인공의 막연한 친구(조언자)이자 이 간질 시키는 표지의 인물로 등장하는 것이 그 인물이 무대 상에 펼치는 성격상의 묘미이다.

The female character that stands out in bold relief when we read the scenarios... is that of Colombine Wrijers have her a manner of speech that was as unrestrained as her conduct.

Aa a sevant she was disinterested and unscrupulous.

Since she is more experienced in life than her mistress, we find her preaching vice to her with as much conviction as others preach virtue...

Zanni

그들은 남자하인들로서 주인들에게는 믿을 수 있는 인물이어야 했지만 그보다 더 중요한 일은 주인과 관객을 즐겁게 해 주는 어릿광대의 역할이었다.

Zanni로서의 Arlecchino (뒤에 Harleguin)도 초창기엔 단순히 어리석은 주인영감의 교활하고 약삭빠른 하인에 불과했다. 다른 한편으로는 실수 투성이의 바보 스러운 하인이었지만 그는 곡예에 능통하고 무대 위를 분주히 드나들면서 갑자기 불쑥 나왔다가는 관객이 전혀 기대하지 않았던 곳으로 사라지기도 했다. 그가 무대 위에서 구르고, 떨어지고 춤을 추는 것이 관객에게 즐거움과 유쾌함을 더해주었다.

He is patient and faithful. He is always in love and always in trouble. He even shoulders the troubles of his master. But even though sorrow befall him, like an overgrown child he is easily consoled. And his grief is as amusing as his joy. He is agile of body. It was not unusual for him to receive a compliment or a favor with an eccentric dance or somersault.

Brighella는 Harleguin과 같은 Bergamo 출신으로 그는 같은 하인이었지만 잔인한 면이 그의 성격 속에 나타난다. 풍자적 인물로 매사에 거리낌이 없고, 정직하지 못했으며 세속적이었다. 그는 극중에서 언제나 주저함이 없고 양심이 없는 악한 인물로 부각되었다.

When between the folds of the curtain there stealthily appears a pair of piercing eyes, a rarified beard pointing slightly upward, and olive-colored mask, the whole forming a cynical ensemble, the love duo of Flavio and isabella comes abruptly to an and. That fear-inspiring face is that of Brighella.

그 외에도 허세 잘 부리고 항상 떠벌리는 인물로 Scaramuccia, 무식하고 저속하고 고지식한 인물의 Pedrolino, 부랑자로 그의 우둔함은 그 자신뿐만 아니라 주인에게까지 피해를 입히는 Pulcinella 등 많은 희극적 인물들이 Commedia의 직업적인 배우들의 노력한 연기 술과 그들의 부단한 창의력의 발휘로 대중 속에 공감을 불러 일으키고 성장되어 갔다.

3. Commedia Dell'arte의 의상

의상(Costume)과 가면(mask)은 신체의 주체성을 강조하며 신체의 변형을 가능하게 하고 숨기게도 한다.

무대의상은 토착적인 의상과는 분명히 다르며 토착적인 의상은 국가, 종교, 사회 등 여러 인습에 의해서 개발되고 만들어지지만 무대의상은 그렇지 않다. 특히 공연예술인 연극에서 이 두 가지가 자주 혼돈 속에 사용되어지고 있다.

독일의 Bauhaus 디자인 학교의 스텝이었던 Schlemmer는 그의 논문 "Man and Art Figure"에서 아래와 같이 적고 있다.

Great as has been the variety of natiue costumes developed during the course of human history, the number of genuine stage costume has stayed very small. They are the few standardixed costumes of the commedia dell'arte ; Harleguin, Pieurot, Columbine, ete. ; and they have remained basic and authentic to this day.

무대미술(장치, 의상을 포함해서)이 관객에게 극적 분위기를 조성하고, 무대공간 속의 중요한 요소임에는 틀림이 없지만 Commedia에서는 배경(장치)이 큰 몫을 차지하지 못하는 반면 의상이 역할이 더 중요하다고 보겠다.

일반적으로 무대의상은 그 사용의 목적이 연기자로 하여금 자기가 맡은 배역을 느낄 수 있게 해 주어야 하며 배역의 성격을 강조하고 극의 분위기나 스타일에 대한 강조로 다른 배역과의 구별로 관객의 상상력발휘를 위한 심리적 효과 등으로 뚜렷이 나타나야 할 것이다. 무대의상의 측면에서 본 Commedia 의 특성은 배우의 의상과 가면이 그 인물을 지칭하는 요인이 되고 있다는 것이고 등장인물 중에 젊은 연인들을 제외하고는 모두 가면을 사용하고 있다.

배우가 자신의 배역(인물)과 의상을 선택하거나 준비하는 점, 관객의 인기를 노리지 않는 인물들 - 여자하인과 연인들을 제외한 인물들이 자기 출신고장 고유의 의상을 입고 등장한다는 것이 흥미롭다.

Pantalone의 의상은 태 없는 적은 모자에다 붉은 색의 조끼와 무릎까지 오는 바지에다 목이 긴 양말에 Turkish 슬리퍼를 신었다. 또한 소매 끝이 넓은 검정 색 코트를 걸치고 황색가면에 갈고리 모양의 큰 코와 회색수염의 모습이 곧 바로 그를 연상하게 된다.

Dottore는 검정 색의 학위 가운(깃과 소매는 흰색)과 모자를 썼고 얼굴은 검은 가면으로 절반이나 가린 채, 가끔 주머니에서 대형의 흰 손수건을 불쑥 꺼낸다.

Capitono는 스페인 군인으로 다분히 해학적인 용모이다. 긴칼을 허리에 차고 망토를 걸치고 긴 깃털이 달린 헐렁한 모자를 썼다. 사납게 보이려는 콧수염, 코가 긴 가면을 쓰고 역전의 군인으로서의 희극 성을 보인다. 연인들은 가면도 쓰지 않고 그 시대일상의 옷을 입고 무대에 나타난다.

Zanni (하인)들 중에서 Arlecchino (뒤에 Harloguin)는 삼각형이나 다이아몬드형의 헝겊조각을 붙여만든 화려한 색깔의 의상이 특징인데 이것은 현대까지도 전해 내려오는 어릿광대의 선형적인 의상으로 애용되고 있다.

Brighella는 가랑이가 넓은 바지에다 짧은 저고리, 망토를 걸친다. 다른 하인들은 인물의 성격에 따라 적은 모자에다 굽이 없는 신발을 신었으나 인물에 따라서 과장해서 긴 깃털이 달린 큰 모자를 쓰고 등장하기도 했다.

Commedia의 의상은 그 색깔에 대한 설명을 찾기가 어렵다. 원색을 많이 사용한다는 것 외에는 역시 인물의 개성에 맞고 그 인물이 어느 지방 출신인가에 더 관심을 가졌던 것 같다.

결국 Commedia에서는 의상과 배경(장치)이 배우를 위한 도구로 존재하는 것이 된다. 즉흥적인 배우의 연기만큼이나 창의의 표현으로서의 의상이 필요하고 존재할 따름이다.

4. 맺음말

르네상스는 세속에 눈을 떠서 종교와 교회의 지배를 벗어나 인간중심의 인간의 욕망과 희열에 눈을 돌린 시기이다. 르네상스 이태리의 연극도 신고전주의, 이상의 확립, 새로운 무대미술과 극장건물의 개발, Commedia Dell'arte의 출현 등으로 황금기를 이루었다.

귀족들이 새 연극관객으로 등장하고 거대한 무대장치, 무대미술에서 원근법의 이용, 대극장의 건축, 화려한 무대의상 등 모든 것이 관객의 관심을 충족시킨 시기였지만 그와는 달리 일정한 전용극장이나 무대장치 없이 배우의 능력만으로 즉흥적으로 공연되는 떠돌이, 이동극단의 형태가 Commedia였다. 그러나 그들은 강한 직업의식과 집념으로 시간, 장소, 공간을 초월해서 누구에게나 공감을 얻을 수 있던 대중의, 서민의 연극으로 발전시켰다.

공연예술(Performing Cuts 또는 Drama가 아닌 Theatre의 의미로서)은 영원의 한 순간을 창조하는 예술이라고 할 수 있다. 그 한 순간은 꼭 같을 수도 없고 다시 오지도 않는다. 관객이 없는, 관객을 생각하지 않는 무대란 Drama 일뿐 Theatre는 아니다.

Commedia에서 즉흥적 (Impnovised)이라는 의미가 결코 준비 없는, 준비 안된 상태로서의 공연으로 이해되어져서는 안될 것이다. Commedia에서 직업적인 배우들의 노련한 연기 술이란 자신들의 끊임없는 훈련에 의해 완성되었으며 그것을 이룩하기 위해 심신의 단련을 게을리 하지 않았다. 곡예에 능한 어릿광대의 훈련이나 신체적 묘기를 Zanni들이 보여 주는 것도 그 한 예로 들 수 있다.

또한 Commedia 배우들의 영향이 구라파 전역에 파급되어지고 받아들여진 것이 배우들이 보여 준 몸 동작의 강렬함과 세상사와 여러 가지 유형의 인간상을 그들의 풍부한 연기로 재 표현함으로서 관객이 설령 언어(대사)를 모르더라도 이해할 수 있고 공감을 얻을 수 있다는 것이 Commedia가 연극에 부여한 가능성이다.

Commedia가 배우들의 극단이었으며 평생의 직업으로 선택한 직업배우들에 의해 이루어진 연극이라는 점, 배우 훈련의 방법으로, 연극사상처음 여배우의 위치가 굳혀졌다는 점은 중요한 의미를 갖는다. 현대연극에서 Street Theatre(가두극장)와 직업극단(Professional Theatre)의 개념도 결국 Commedia에서 찾아보아야 할 것이다.

Commedia에서 등장인물의 풍장와 해학적인 면은 하나의 모델로서 많은 극장가들에 의해서 재창조되었다는 점을 빼놓을 수 없다.

Commedia가 오랜 역사를 가지고 있었으나 그 스타일에 있어서, 너무 전통위주이고 바뀌어지지 않았다는 것과, 그 인물, 의상, 장치에 있어 큰 진전이나 변형이 없었던 부정적인 일면도 있다.

그러나 4세기가 지난 지금도 Commedia Dell'arte의 인물들은 연극의 요소로 연극 속에 용해되어 있고 그 공헌은 연극의 이상과 무한한 가능성으로 잠재하고 있다.

• Wikes, Thomas. Ageneral View of the Stage. London : Paternofter Row, 1759.

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